Decolonial Perspectives: The curatorial project presented at FNB Art Joburg 2026

A artista plástica luso-angolana Daniela Ribeiro desenvolve uma linguagem visual que se insere no surrealismo científico. Mais do que uma proposta estética, trata-se de uma investigação conceptual que articula os avanços tecnológicos mais disruptivos da contemporaneidade com as cosmologias ancestrais africanas. 

No centro da sua prática está uma questão essencial: de que modo as tecnologias emergentes — biotecnologia, biónica, inteligência artificial, física quântica — podem dialogar com saberes milenares e tradições epistemológicas africanas? Ao abordar temas como o transhumanismo, Ribeiro transcende a especulação futurista para examinar as implicações éticas, filosóficas e culturais dessas transformações. A sua dupla herança cultural não surge apenas como enquadramento identitário, mas como dispositivo crítico que orienta e complexifica o seu pensamento visual.

Nas suas composições, símbolos ancestrais, grafismos rituais e referências cosmogónicas coexistem com algoritmos, próteses biónicas, estruturas moleculares e representações quânticas. Essa convergência não é meramente formal; constitui um gesto epistemológico que questiona hierarquias de conhecimento. Ao aproximar esses universos, a artista propõe que a compreensão holística da interconexão entre todos os seres — central em muitas tradições africanas — oferece ferramentas fundamentais para enfrentar os dilemas éticos do presente tecnológico.

Saiba mais.

Opeyemi Matthew Olukotun é um artista visual cuja prática se centra na pintura figurativa expressiva. Licenciou-se em Belas-Artes e Artes Aplicadas pela Ladoke Akintola University of Technology, em Ogbomoso, em 2012. 

O seu trabalho assenta numa exploração contínua do corpo humano — a sua forma, a sua postura, a sua linguagem emocional e as narrativas que emergem até do mais subtil gesto. Olukotun sente-se particularmente atraído pela anatomia da expressão: a inclinação de uma cabeça, o peso de um olhar, as nuances do rosto e das mãos. São estes elementos que o permitem comunicar estados de espírito e a complexidade da experiência humana.

A utilização de paletas cromáticas harmoniosas, pinceladas de carácter impressionista e linhas esboçadas visíveis contribui para um sentido dinâmico de movimento e vitalidade. As linhas sugerem movimento e estabelecem uma ligação entre a figura e o seu envolvimento, lembrando que a identidade está sempre em transformação. Estas estratégias visuais criam uma ligação fluida entre as figuras e os contextos que habitam, apresentando-as como indivíduos refletidos, complexos e cheios de interioridade.

Saiba mais.

Osvaldo Ferreira explora temas associados à vida quotidiana da sociedade angolana, evidenciando uma continuidade/descontinuidade intergeracional no que diz respeito a experiências sociais. 

O seu trabalho, constituído principalmente por pintura, integra frequentemente elementos cromáticos e materiais que remetem para a tradição têxtil africana de cores exuberantes. Com isto,  o artista pretende enfatizar a presença da herança cultural e social de África - um continente que, através da colonização e globalização, testemunhou sucessivos processos de apropriação e manipulação cultural, desencadeando uma miscigenação involuntária e a imposição de um sistema que degenera a identidade do continente.

Em 2019, Osvaldo foi um dos primeiros artistas a completar um curso superior em Artes Visuais no território angolano (Instituto Superior de Artes - ISARTES). Desde 2020, a sua obra é representada pela galeria THIS IS NOT A WHITE CUBE em Portugal, em Angola e internacionalmente. Ao longo dos últimos cinco anos o seu trabalho foi recentemente integrado em mais de vinte coleções por todo o mundo e em 2023 realizou “Revivescência: Uma Jornada para o Presente” a sua primeira exposição individual em Lisboa através da colaboração instituída entre a galeria THIS IS NOT A WHITE CUBE e a galeria Eritage.

Saiba mais.

O trabalho de René Tavares baseia-se num processo de pesquisa em arquivos, fotografias e literatura, trazendo à luz temas relacionados com questões históricas e sócio-políticas que afetam as populações de diferentes países africanos. Com uma predileção pela pintura e pelo desenho, na sua prática artística, René Tavares inclui também a fotografia, o vídeo e a instalação. O trabalho de René evolui e expande-se sob a forma de projectos e séries que se desenvolvem ao longo do tempo de acordo com as suas próprias experiências de transição entre diferentes linguagens artísticas, entre os continentes africano e europeu, entre a África insular e continental, mas também entre o local e o global, o individual e o colectivo. De forma transversal, as suas obras questionam heranças assimiladas, negligenciadas e esquecidas e desafiam a rigidez das categorizações e dos preconceitos. São produzidas e trazidas à luz por meio de um processo criativo profundamente dinâmico, pautado por uma certa compulsividade na ação e por um forte comprometimento com o contexto, contribuindo gradualmente para a construção de um percurso criativo e intelectual que espelha  processos de contextos e processos de resiliência e de capacitação social.

Através da utilização de uma paleta de cores rica e terrosa, e de um processo de trabalhar a tela em camadas e em toda a sua extensão e profusão, o universo figurativo de René Tavares, na sua atmosfera onírica, está profusamente repleto de memórias e de presenças humanas, rostos e olhares que nos fitam através do espaço e do tempo. As obras igualmente enfatizam elementos iconográficos e simbólicos, como campos e plantações de algodão, animais específicos, objectos e habitações, e a representação de retratos de grupo. Estes retratos coletivos de homens e mulheres, quer em pé pacificamente, quer mostrados nas suas interacções e actividades diárias, visam refletir sobre os processos históricos de hibridação e miscigenação que ocorrem entre vários grupos étnicos, comunidades e culturas, incluindo componentes assimilados durante as eras colonial e pós-colonial. 

Saiba mais.

Como fotógrafo e artista multidisciplinar a viver e trabalhar em Lagos, Nigéria, o trabalho de Lawal é profundamente influenciado pelo seu ambiente. A Nigéria é habitada pelo maior número demográfico de grupos étnicos diversos em África, com mais de 525 línguas nativas faladas. A sua apreciação pela cultura nigeriana aumentou a sua curiosidade para experienciar e explorar as vastas nuances das diferenças culturais do povo nigeriano.

O seu estilo artístico particular e o uso de tons e cores altamente contrastantes vieram da incorporação da sensibilidade aguçada da sua mãe para as cores, refletida nos tecidos que ela usava e nas flores que cultivava no seu jardim. Esta influência pode ser vista nos materiais novos e reciclados que utiliza em combinação com a fotografia, para criar um realismo cru que chama a atenção para o seu artesanato inovador, espiritualidade e estrutura.

Sanjo tem capturado e documentado cenas do seu ambiente com o seu telemóvel, tendo primeiro explorado e descoberto a arte rabiscando, desenhando e pintando em papel. Para Lawal, cada cor tem um detalhe central e cada fotografia conta uma história. A sua vida diária e as suas atividades servem como inspiração adicional, permitindo-lhe misturar cores de tinta com a fotografia de forma magistral.

Saiba mais.