Introdução às Novas Integrações através da Estética da Desacelaração: SPOTLIGHT 2

 Expanded Eye é um duo artístico multidisciplinar sediado em Lisboa, formado pelo casal britânico Jade Tomlinson e Kevin James, em Londres, em 2010. Ambos são licenciados com distinção (BA Hons) em Design Gráfico e Ilustração pela Norwich School of Art & Design (2007), formação que desenvolveu a sua sensibilidade ao detalhe, à cor e à composição, aliada a uma forte abordagem narrativa na criação de imagens. Através de uma sinergia natural de diálogo, energia e intuição partilhada, o duo iniciou um percurso colaborativo assente na autenticidade e no desejo de explorar as complexidades multifacetadas da existência e a liberdade em relação ao conhecido. A sua prática tem evoluído de forma fluida entre várias disciplinas, incluindo arte urbana, instalação site-specific, assemblagem em madeira recuperada e tatuagem, utilizando o corpo como uma tela viva.

A colaboração continua a ser central na sua prática, permitindo que a sua iconografia inconfundível evolua para uma linguagem visual poética unificada por materiais orgânicos. A madeira recuperada, a assemblagem antiga, o barro e o corpo humano oferecem, cada um, constrangimentos e possibilidades únicas que informam e ampliam a sua direção criativa.

O seu domínio de técnicas e materiais diversos permite a criação de composições intrincadas que habitam o espaço liminar entre a bidimensionalidade e a tridimensionalidade, o passado e o futuro, atraindo encomendas internacionais, instalações site-specific e colaborações com marcas globais, bem como destaque em publicações internacionais de arte e design.

Alex Kuznetsov é um artista que vive e trabalha em Lisboa cuja obra utiliza a abstração como método de resistência — à velocidade, ao espetáculo e à legibilidade imediata da superfície. As suas composições surgem através de processos lentos e estratificados, onde gesto, duração e estrutura se tornam inseparáveis. Mais do que imagens, são condições: espaços onde a perceção se pode expandir e reajustar.

Assente na repetição, no ritmo e na presença física, a prática de Kuznetsov é deliberadamente aberta em materiais e formas. Da pintura às obras objectuais, da linguagem à construção, desenvolve campos visuais que recusam a imediaticidade — convidando o observador não a interpretar, mas a permanecer.

Numa cultura movida pela aceleração, a sua obra permanece imóvel — não como recuo, mas como proposta. Um tempo mais lento. Um olhar mais profundo.

Amélie Ducommun é uma artista franco-suíça cuja prática se centra na memória, na paisagem e na ressonância emocional dos elementos naturais. A natureza tem estado no cerne da sua prática, moldando uma linguagem visual enraizada na memória, na perceção da paisagem e na interação entre forças elementares. A exploração contínua da “memória da água” é um tema que atravessa as séries subsequentes.

O seu trabalho tem sido orientado pelo desejo de compreender a memória e de explorar a forma como as paisagens se inscrevem em nós. Cria “mapas de memória”: nebulosas de vestígios, sensações e emoções recolhidos nos lugares por onde passa. As suas pinturas e instalações não são ilustrações da realidade, mas acumulações de impressões recordadas, sobrepostas com transparência como os estratos da experiência.

Num mundo dominado pela velocidade, pela clareza e pela opinião constante, Ducommun sente-se atraída pelas zonas cinzentas — esses espaços subtis e incertos onde a poesia ainda existe. Hoje, a memória coletiva parece frágil; aquilo que nos liga ao passado é cada vez mais efémero: uma fotografia, uma mensagem, um vídeo que não deixa espaço para a nuance nem para a discussão. O processo de Ducommun é uma oscilação entre o mundo exterior, que tem de permanecer novo, e o seu mundo interior, preenchido por memórias. A obra surge no encontro entre os dois. As suas pinturas procuram expressar essa interação. As linhas e as cores não entram em conflito, mas evoluem em harmonia; formam encontros equilibrados entre elementos essenciais tanto à vida como à memória.

Daniela Ribeiro é uma artista plástica luso-angolana que desenvolve uma linguagem visual que se insere no surrealismo científico. Mais do que uma proposta estética, trata-se de uma investigação conceptual que articula os avanços tecnológicos mais disruptivos da contemporaneidade com as cosmologias ancestrais africanas. 

No centro da sua prática está uma questão essencial: de que modo as tecnologias emergentes — biotecnologia, biónica, inteligência artificial, física quântica — podem dialogar com saberes milenares e tradições epistemológicas africanas? Ao abordar temas como o transhumanismo, Ribeiro transcende a especulação futurista para examinar as implicações éticas, filosóficas e culturais dessas transformações. A sua dupla herança cultural não surge apenas como enquadramento identitário, mas como dispositivo crítico que orienta e complexifica o seu pensamento visual.

Nas suas composições, símbolos ancestrais, grafismos rituais e referências cosmogónicas coexistem com algoritmos, próteses biónicas, estruturas moleculares e representações quânticas. Essa convergência não é meramente formal; constitui um gesto epistemológico que questiona hierarquias de conhecimento. Ao aproximar esses universos, a artista propõe que a compreensão holística da interconexão entre todos os seres — central em muitas tradições africanas — oferece ferramentas fundamentais para enfrentar os dilemas éticos do presente tecnológico.

No campo da inteligência artificial, interroga não apenas o avanço das capacidades computacionais, mas a própria natureza da consciência e da subjetividade, convocando noções africanas de interdependência e comunidade. Ao explorar ressonâncias com a física quântica, evidencia paralelismos entre a não-linearidade científica e visões cosmológicas que concebem o tempo e a existência como redes dinâmicas de energia, memória e relação.

A obra de Daniela Ribeiro afirma-se, assim, como uma contribuição singular para os debates contemporâneos sobre tecnologia e humanidade. O seu surrealismo científico emerge como uma prática crítica e descolonial do imaginário tecnológico, essencial num momento histórico em que a humanidade redefine os seus limites e reavalia, com urgência, o que significa continuar a ser humana.

A série apresentada neste Spotlight, e que esteve representada no pavilhão de Angola na Expo Osaka 2025, explora a atenção, a repetição e a decifração como processos de construção da imagem. Recorrendo aos símbolos Sona dos povos Chokwe e Lunda,  a artista integra sistemas ancestrais de conhecimento, matemática e espiritualidade na sua obra.